(DOUCET Jacques) BRISSAUD PierreMareMagnum
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- Lucien Vogel éditeur, Paris Juin 1914, 36,5x24cm, une feuille. - Double original color print, printed on vergé paper, signed in the plate. An original print used to illustrate the Gazette du bon ton, one of the most attractive and influential 20th century fashion magazines, featuring the talents of French artists and other contributors from the burgeoning Art Deco movement. A celebrated fashion magazine established in 1912 by Lucien Vogel, La Gazette du bon ton appeared until 1925, with a hiatus from 1915 to 1920 due to the war (the editor-in-chief having been called up for service). It consisted of 69 issues printed in only 2,000 copies each and notably illustrated with 573 color plates and 148 sketches of the models of the great designers. Right from the start, this sumptuous publication "was aimed at bibliophiles and fashionable society," (Françoise Tétart-Vittu, "La Gazette du bon ton", in Dictionnaire de la mode, 2016) and was printed on fine vergé paper using a type cut specially for the magazine by Georges Peignot, known as Cochin, later used (in 1946) by Christian Dior. The prints were made using stencils, heightened in colors, some highlighted in gold or palladium. The story began in 1912, when Lucien Vogel, a man of the world involved in fashion (he had already been part of the fashion magazine Femina) decided, with his wife Cosette de Brunhoff - the sister of Jean, creator of Babar - to set up the Gazette du bon ton, subtitled at the time: "Art, fashion, frivolities." Georges Charensol noted the reasoning of the editor-in-chief: "'In 1910,' he observed, 'there was no really artistic fashion magazine, nothing representative of the spirit of the time. My dream was therefore to make a luxury magazine with truly modern artists...I was assured of success, because when it comes to fashion, no country on earth can compete with France.'" ("Un grand éditeur d'art. Lucien Vogel" in Les Nouvelles littéraires, no. 133, May 1925). The magazine was immediately successful, not only in France but also in the United States and Latin America. At first, Vogel put together a team of seven artists: André-Édouard Marty and Pierre Brissaud, followed by Georges Lepape and Dammicourt, as well as eventually his friends from school and the School of Fine Arts, like George Barbier, Bernard Boutet de Monvel and Charles Martin. Other talented people soon came flocking to join the team: Guy Arnoux, Léon Bakst, Benito, Boutet de Monvel, Umberto Brunelleschi, Chas Laborde, Jean-Gabriel Domergue, Raoul Dufy, Édouard Halouze, Alexandre Iacovleff, Jean Émile Laboureur, Charles Loupot, Chalres Martin, Maggie Salcedo. These artist, mostly unknown when Lucien Vogel sought them out, later became emblematic and sought-after artistic figures. It was also they who worked on the advertising drawings for the Gazette. The plates put the spotlight on, and celebrate, dresses by seven designers of the age: Lanvin, Doeuillet, Paquin, Poiret, Worth, Vionnet and Doucet. The designers provided exclusive models for each issue. Nonetheless, some of the illustrations are not based on real models, but simply on the illustrator's conception of the fashion of the day. The Gazette du bon ton was an important step in the history of fashion. Combining aesthetic demands with the physical whole, it brought together - for the first time - the great talents of the artistic, literary, and fashion worlds; and imposed, through this alchemy, a completely new image of women: slender, independent and daring, which was shared by the new generation of designers, including Coco Chanel, Jean Patou, Marcel Rochas, and so on... Taken over in 1920 by Condé Montrose Nast, the Gazette du bon ton was an important influence on the new layout and aesthetics of that "little dying paper" that Nast had bought a few years earlier: Vogue. [FRENCH VERSION FOLLOWS] Estampe double originale en couleur, tirée sur papier vergé, signée en bas à droite de la planche. Gravure originale réal
Carteles Guerra Civil Española. Autor, L.Y. 1936. Copia en rústica ilustrada. texto en el reverso del cartel. Muy buen ejemplar.
Une afiche de dimensions 44x61 cm; lithographie de René Guillard, Paris. Parfait état. Voir photo.
français Sans date. Affiche originale du film. 80x120 cm (approximatif). Pliée, manque de papier au coin inférieur gauche, infime au coin supérieur droit, 2 déchirures.
BOULOGNE, Ed. Du May - 2001 - In-4 carré - Cartonnage éditeur illustré en couleurs - Nombreuses illustrations en couleurs - 123 pages - Neuf
français Confirmation à la date du 8 mai 1934. Image en couleur. 37 x 22 cm. Avec marges : 42 x 30 cm.
Features: The Keuker Family - Holland's "First Family" in miniatures; David Krupick - a Woodcarver of Classic Proportions; Glenda Hooker - an update; Cookie Ziemba - a Collector for all seasons; Miniatures painter Paul Saltarelli; Neil Davison - Michigan's model Miniaturist; Charles Mitchell - The Tin Man; Bruce Plumb has a fabulous way with wood; Focusing for Miniature Portraits - how to snap your own; Millinery Magic - making an Easter Bonnet; Framing Contemporary Prints and Posters; Joann's Dressmaker's Shop; and more. Clean and unmarked with light wear. A quality copy. Magazine
- S.n., s.l. circa 1900, 49x40,5cm, une feuille sous marie-louise encadrée. - Sketches and ink drawings of male and female nudes, alone or in pairs. Signed by the artist at the bottom of the sheet. In an unvarnished wood frame. Marcel-Lenoir, pseudonym of Jules Oury (1872-1931) was a French painter. Fascinated by Symbolism, he was a frequent visitor of the poet Paul Fort's and also frequented Rosicrucian circles. It was also at this time that he discovered the works of the Swiss artist Arnold Böcklin, the English artist Edward Burne-Jones and Pierre Puvis de Chavannes. Alberto Giacometti had enormous admiration for him and said: "For me, he was the greatest of his age...he had a way of painting in facets that was totally his own. He made a profound impression on me". [FRENCH VERSION FOLLOWS] Croquis et dessins à la plume représentant des nus masculins et féminins, seuls ou en couple. Signature de l'artiste dans le bas de la feuille. Le dessin est consigné dans un cadre en bois brut. Marcel-Lenoir, pseudonyme de Jules Oury (1872-1931) est un peintre français. Passionné par le symbolisme, il fréquentera le poète Paul Fort et les milieux Rose-Croix, il découvre dans le même temps les uvres du Suisse Arnold Böcklin, de l'Anglais Edward Burne-Jones et de Pierre Puvis de Chavannes. Alberto Giacometti avait une immense admiration pour lui et disait : « Pour moi, c'était à l'époque le plus grand, ... il avait une manière de peindre par facettes qui n'était qu'à lui. Il faisait sur moi une profonde impression ».
- s.n., s.l. (Hollande) (Circa 1600), 33x27,5cm (cuvette: 24,5x20cm), une feuille. - Gravure originale réalisée au burin d'après une peinture du XVI° siècle de Maarten de Vos (ou Martin). Epreuve sur papier vergé filigrané, travail du début du XVIIe siècle. Il s'agit d'une illustration de l'Evangile selon Matthieu 25.36, "J'étais nu, et vous m'avez vêtu".Légende en latin dans la partie inférieure de la gravure.Signature de l'auteur dans la planche. Mention numérotée "5" dans l'angle inférieur droit dans la gravure, et mention manuscrite "113" en marge dans l'angle supérieur droit. Une annotation manuscrite ancienne en caractères grecs sous l'angle droit de la cuvette.Filigrane visible par transparence.Rares et infimes rousseurs et taches marginales, sans atteinte à la gravure, une très discrète trace de pliure, sinon très bel état de conservation pour cette gravure extrêmement rare et d'une grande fraîcheur.Maarten de Vos (ou Martin), Anvers 1532-1603, est un peintre flamand. Il fut l'élève de Frans Floris, puis compléta sa formation auprès du Tintoret. On lui doit des peintures historiques dans le style maniériste, notamment un 'Saint Paul piqué par une vipère sur l'île de Malte' (1568) qui se trouve au musée du Louvre à Paris. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- Crayon sur papier Fin XIXème - Début XXème, 21 x 27 cm (31 x 47 cm avec carton). - A male nude from the back Pencil on paper | Late 19th - Early 20th century| 21 x 27 cm (31 x 47 cm with mount) | one drawing Original pencil drawing, mounted on guards. Artist's signature stamp and monogram stamp in the lower right corner of the work; artist studio's stamp on the back. Handwritten note on the back, in pencil, of the paper, the title and the date: 1895. Light signs of foxing on the left border without affecting the drawing, otherwise in very good condition. Provenance: artist's workshop, referenced in the Atelier Louis Anquetin catalogue (Thierry de Maigret, 28/11/08). [FRENCH VERSION FOLLOWS] Dessin original au crayon, monté sur onglet sur carton. Signature du cachet de la signature de l'artiste dans l'angle inférieur droit de l'uvre, et signature du cachet de l'atelier au verso. Légères traces rousses sur la bordure gauche sans atteinte au dessin, sinon très bel état de conservation. Provenance : atelier de l'artiste, référencée au catalogue Atelier Louis Anquetin (Thierry de Maigret, 28/11/08). Louis Anquetin, né à Étrépagny en 1861 et mort à Paris en 1932, est un important peintre français. Il commence sa carrière aux côtés de peintres d'avant-garde tels que Vincent Van Gogh ou Henri de Toulouse-Lautrec. Avec Émile Bernard, il est l'inventeur du Cloisonnisme. De 1884 à 1893, Louis Anquetin ne cesse d'explorer les possibilités nouvelles offertes par la libération introduite par l'Impressionnisme dans la peinture française. A partir de 1893, à la suite d'une longue confrontation avec les « maîtres d'autrefois », il adopte un parti-pris pictural qui le mettra en marge du mouvement général de l'art, et l'éloignera de ses amis. Ébloui par l'art baroque et sa vigueur créatrice, il pense alors que ses amis de jeunesse se sont engagés dans une voie qui mènera à la mort de la peinture. Il croit en une « peinture parfaite » qui s'incarne dans le re-souvenir des leçons de Michel-Ange et de Rubens notamment. Son travail devient donc plus classique, il prône le retour au métier, en proposant de réfléchir sur les conditions a priori de toute forme d'art possible dans le respect des règles de la perspective et de l'anatomie, telles que pratiquées par les maîtres du XVIème et XVIIème siècle. Ne laissant que quelques uvres que l'on peut qualifier de monumentales, Anquetin s'avère prolifique par ses nombreuses études et esquisses, lui qui considérait que le dessin était « un moyen d'expression tout puissant », le fondement obligatoire de tous les arts plastiques. En travaillant volontairement à rebours de son époque, Louis Anquetin a rendu possible l'existence d'une figuration moderne originale. Par son obstination et sa passion de la peinture, il a en effet évité que ne soit totalement obturé le chemin de la grande tradition occidentale. On peut admirer ses uvres dans de nombreux et prestigieux musées comme le Musée d'Orsay ou Le Louvre à Paris, à San Francisco ou à Detroit, au Musée de l'Hermitage de Saint-Petersbourg, à la National Gallery et à la Tate de Londres, etc.
- circa 1920, Cadre : 41x51,5cm ; dessin : 24,5x34,5cm, une feuille sous marie-louise encadrée. - Dessin original au pastel représentant une femme nue de profil en train de jouer de la flûte. Signature illisible en bas à droite du dessin. Cadre moderne. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- Crayon sur papier Fin XIXème - Début XXème, 16 x 25 cm (31 x 47 cm avec carton). - Dessin original au crayon, monté sur onglet sur carton.Signature du cachet de la signature de l'artiste dans l'angle inférieur droit de l'uvre, et signature du cachet de l'atelier au verso. Très bel état de conservation. Provenance : atelier de l'artiste, référencée au catalogue Atelier Louis Anquetin (Thierry de Maigret, 28/11/08). Louis Anquetin, né à Étrépagny en 1861 et mort à Paris en 1932, est un important peintre français.Il commence sa carrière aux côtés de peintres d'avant-garde tels que Vincent Van Gogh ou Henri de Toulouse-Lautrec. Avec Émile Bernard, il est l'inventeur du Cloisonnisme. De 1884 à 1893, Louis Anquetin ne cesse d'explorer les possibilités nouvelles offertes par la libération introduite par l'Impressionnisme dans la peinture française. A partir de 1893, à la suite d'une longue confrontation avec les « maîtres d'autrefois », il adopte un parti-pris pictural qui le mettra en marge du mouvement général de l'art, et l'éloignera de ses amis. Ébloui par l'art baroque et sa vigueur créatrice, il pense alors que ses amis de jeunesse se sont engagées dans une voie qui mènera à la mort de la peinture. Il croit en une « peinture parfaite » qui s'incarne dans le re-souvenir des leçons de Michel-Ange et de Rubens notamment. Son travail devient donc plus classique, il prône le retour au métier, en proposant de réfléchir sur les conditions a priori de toute forme d'art possible dans le respect des règles de la perspective et de l'anatomie, telles que pratiquées par les maîtres du XVIème et XVIIème siècle.Ne laissant que quelques uvres que l'on peut qualifier de monumentales, Anquetin s'avère prolifique par ses nombreuses études et esquisses, lui qui considérait que le dessin était « un moyen d'expression tout puissant », le fondement obligatoire de tous les arts plastiques.En travaillant volontairement à rebours de son époque, Louis Anquetin a rendu possible l'existence d'une figuration moderne originale. Par son obstination et sa passion de la peinture, il a en effet évité que ne soit totalement obturé le chemin de la grande tradition occidentale. On peut admirer ses uvres dans de nombreux et prestigieux musées comme le Musée d'Orsay ou Le Louvre à Paris, à San Francisco ou à Detroit, au Musée de l'Hermitage de Saint-Petersbourg, à la National Gallery et à la Tate de Londres, etc. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- S.d. (fin XIXe), 22,5x29cm, une feuille. - Eau-forte tirée sur papier de chine. Une serpente protège la gravure. Tirage avant la lettre, sans le nom du peintre et du graveur. Le tableau dont est tirée cette gravure se trouve au musée Henner. Parfait état. NB : Cet ouvrage est disponible à la librairie sur demande sous 48 heures. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- Pellerin, Epinal s.d. (circa 1880-1900), 49 x 39 cm. - Image d'Épinal, lithographie couleurs, grand format, imprimée sur papier fort. Bel état, couleurs très bien conservées. Ces planches sont des constructions ou maquettes en carton, sur lesquelles un patron était imprimé. Ce patron doit être découpé puis assemblé pour construire divers objets ou scènes de vie. L'imagerie d'Épinal publia plusieurs séries de modèles à découper dont les "Grandes Constructions" au format de 39 x 49 cm, les "Moyennes Constructions" et les "Petites Constructions". De 1880 à 1908, des constructions furent éditées avec pour objets l'architecture, les costumes, les bateaux et divers véhicules. Durant cette même période, les théâtres de papier ou "théâtre chez soi" connurent également un grand succès. Ce modèle de jouet se développa et perdura jusqu'à la seconde Guerre Mondiale. ?Vendues autrefois par des colporteurs, les images d'Épinal doivent leur nom à Jean-Charles Pellerin, qui fut le premier imprimeur à éditer en série ce type d'image, et qui habitait la ville d'Épinal (Vosges). Les sujets sont très variés mais généralement tournent autour de la religion, de l'histoire (Révolution française, batailles, uniformes militaires), ou tirés de romans à succès. L'imagerie d'Épinal prend ses origines dans l'imagerie, art populaire né au XVème siècle destiné principalement au public illettré des campagnes. À l'origine, l'image est gravée sur une planche de bois et l'impression s'effectue à l'aide d'une presse à bras. Elle est ensuite mise en couleur au moyen de pochoirs. Au XIXème siècle, on réalise à partir des bois gravés des moulages en plomb : les stéréotypes, qui permettent d'augmenter la production. En 1820, on passe à la lithographie, qui induit un changement de style radical, des dessins plus fins. En 1900, la mise en couleurs se fait toujours au pochoir, grâce à une machine qui peut colorier 300 images à l'heure, l'Aquatype. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- Pellerin, Epinal s.d. (circa 1880-1900), 49 x 39 cm. - Image d'Épinal, lithographie couleurs, grand format, imprimée sur papier fort. Bel état, couleurs très bien conservées. Ces planches sont des constructions ou maquettes en carton, sur lesquelles un patron était imprimé. Ce patron doit être découpé puis assemblé pour construire divers objets ou scènes de vie. L'imagerie d'Épinal publia plusieurs séries de modèles à découper dont les "Grandes Constructions" au format de 39 x 49 cm, les "Moyennes Constructions" et les "Petites Constructions". De 1880 à 1908, des constructions furent éditées avec pour objets l'architecture, les costumes, les bateaux et divers véhicules. Durant cette même période, les théâtres de papier ou "théâtre chez soi" connurent également un grand succès. Ce modèle de jouet se développa et perdura jusqu'à la seconde Guerre Mondiale. ?Vendues autrefois par des colporteurs, les images d'Épinal doivent leur nom à Jean-Charles Pellerin, qui fut le premier imprimeur à éditer en série ce type d'image, et qui habitait la ville d'Épinal (Vosges). Les sujets sont très variés mais généralement tournent autour de la religion, de l'histoire (Révolution française, batailles, uniformes militaires), ou tirés de romans à succès. L'imagerie d'Épinal prend ses origines dans l'imagerie, art populaire né au XVème siècle destiné principalement au public illettré des campagnes. À l'origine, l'image est gravée sur une planche de bois et l'impression s'effectue à l'aide d'une presse à bras. Elle est ensuite mise en couleur au moyen de pochoirs. Au XIXème siècle, on réalise à partir des bois gravés des moulages en plomb : les stéréotypes, qui permettent d'augmenter la production. En 1820, on passe à la lithographie, qui induit un changement de style radical, des dessins plus fins. En 1900, la mise en couleurs se fait toujours au pochoir, grâce à une machine qui peut colorier 300 images à l'heure, l'Aquatype. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
- Pellerin, Epinal s.d. (circa 1880-1900), 49 x 39 cm. - Image d'Épinal, lithographie couleurs, grand format, imprimée sur papier fort. Légères rousseurs marginales, sinon bel état, couleurs très bien conservées. Ces planches sont des constructions ou maquettes en carton, sur lesquelles un patron était imprimé. Ce patron doit être découpé puis assemblé pour construire divers objets ou scènes de vie. L'imagerie d'Épinal publia plusieurs séries de modèles à découper dont les "Grandes Constructions" au format de 39 x 49 cm, les "Moyennes Constructions" et les "Petites Constructions". De 1880 à 1908, des constructions furent éditées avec pour objets l'architecture, les costumes, les bateaux et divers véhicules. Durant cette même période, les théâtres de papier ou "théâtre chez soi" connurent également un grand succès. Ce modèle de jouet se développa et perdura jusqu'à la seconde Guerre Mondiale. ?Vendues autrefois par des colporteurs, les images d'Épinal doivent leur nom à Jean-Charles Pellerin, qui fut le premier imprimeur à éditer en série ce type d'image, et qui habitait la ville d'Épinal (Vosges). Les sujets sont très variés mais généralement tournent autour de la religion, de l'histoire (Révolution française, batailles, uniformes militaires), ou tirés de romans à succès. L'imagerie d'Épinal prend ses origines dans l'imagerie, art populaire né au XVème siècle destiné principalement au public illettré des campagnes. À l'origine, l'image est gravée sur une planche de bois et l'impression s'effectue à l'aide d'une presse à bras. Elle est ensuite mise en couleur au moyen de pochoirs. Au XIXème siècle, on réalise à partir des bois gravés des moulages en plomb : les stéréotypes, qui permettent d'augmenter la production. En 1820, on passe à la lithographie, qui induit un changement de style radical, des dessins plus fins. En 1900, la mise en couleurs se fait toujours au pochoir, grâce à une machine qui peut colorier 300 images à l'heure, l'Aquatype. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
Like new. Text in English and Japanese. 68 pages. 8 1/4"w x 11 3/4"h. Each page shows four color posters from the Anitnuclear Power Poster Exhibition. Also includes three loose full-page posters advertising the exhibition. One of these posters has a small 1/4" tear.
100 pages. Features: Attractive one-page color ad for Dodge Trucks features bright yellow moving van; Seattle's worst earthquake in history; Mrs. Helen Douglas Mankin wins Atlanta's Negro vote; Color ad for General Tire features well-dressed lady with lots of luggage being helped by black porter; Classy color ad for the Farnsworth Television and radio Corporation; Two-page poem commemorates the first anniversary of the Iwo Jima battle; Canadian exposure of spy ring turns doubting eyes on Russia - major article with photo; Nice one-page ad for the Banff Springs Hotel; Attractive color ad for Ford cars features ski scene; Young UNO closes first session with hope, suspicion, and a veto; Photos of Francisco Franco; Field Marshal von Paulus; Sir Sholto Douglas; Photo of Mohammed Ali Jinnah; The bravest padre - Maj. John Weir Foote, Presbyterian chaplain of the Royal Hamilton Light Infantry is awarded the VC; Brief obituaries for Dr. William Allan Neilson, Cornelius Johnson and Adolph Lorenz; Army posters to help soldiers adapt to civilian life; Tuberculosis germ killer; Photo and article of artist Alberto Vargas; Nice color-photo ad for the Boeing Stratocruiser; American Cyanamid color ad shows smiling coal delivery man iun bomber jacket; Dr. Henry A. Jones experiments with onions; Uneasy Swedes wonder what future holds; Photos of the lightweight Bobbi car; Aerial photo of downtown Chicago promotes the area for industrial development; Hotel New Yorker ad features photo of John H. Sienold, Banquet Manager; Photos of American Cardinals; The Secret of "Huff-Duff" (radio direction finder) can be told - as part of ITT ad; Picasso of the Camera - Edward Weston; ad for Dr. Grabow pipes; and more. Covers holding by one staple. Average wear and soiling. A worthy vintage copy. Book
94 pages. Nice one-page Diebold ad promotes War Bond purchases and their Cardineer product; Nice one-page color GM ad shows tanks being offloaded from ship by soldiers; Interesting TWA ad shows illustration of native American looking up at plane; Draft dodger Grover Cleveland Bergdoll is released from prison (with photo); Photo of boxer Joe Louis with his wife, Marva; Timken Bearing ad features Admiral Nimitz portrait; Brief obituaries for Raymond Clapper, Yvette Guilbert, Dr. Arthur Eugene Bestor, Will B. Johnstone and Janet R. Aiken; One-page military-theme Chevrolet ad; Ferocity of Nazi Defense shows importance of Rome Beachheads - with aerial photo of military train in Italy; Major war coverage; Battle of Kwajalein; The Marshall Islands - another stop on the road to Tokyo; Donald Bennett's Elite Forces use fireworks to Light Targets; Push toward Finland; The Battle for Rome; Russia's 16 for 1 split shows drift to regional setups; Photo of Aga Khan taking sleigh ride with lady friend in Switzerland; Photos of 'deserter's passport' to be used by Croats to give themselves up to the Germans; Soldier vote problem; Nice one-page color Camel cigarette ad features soldier home on furlough; US Steel color ad shows steel car and steel helmet; Victory garden stats and seeds; Nice wartime Trailmobile ad; Nice one-page United Airlines ad; Fantastic one-page two-color ad for REO trucks features logging and loggers; Styrene centerfold ad loose but present; Milwaukee Road military-themed ad; Lighters, Irons and Bathtubs returning to American Scene; Reproductions of Japa atrocity posters which were posted in war production plants to boost production; Nice photo ad for Dodge Trucks features photos of troops in action and heavy snow removal at home; Reporter Raymond Clapper is killed - article with photos; Nice photo of Army show in New Guinea with Phyllis Brooks onstage; Photo of 'sex rejuvenator' Serge Voronoff with his younger wife; Nice promotional ad for the Metropolitan Oakland area has nice aerial photo; Classy one-page color-illustrated ad for McCall's Magazine features mother reading to son; Daniel Fosdick Parker; Color Studebaker ad inside back cover features military equipment; Back cover ad for Seagram's 7 Crown; and more. Above-average but not excessive wear. A worthy vintage copy. Book
anglais In-4 de 20 pp. + 40 pl. h.t.; relié toile à la Bradel de l'éditeur. With a preface by André Varagnac. Superbes lithographies en couleurs sous serpentes légendées. Sans jaquette.
- S.n., s.l. circa 1920, 25x30,5cm (dimensions du cadre) 11,5x14,5cm (dimensions du dessin), une feuille sous marie-louise encadrée. - Dessin original aux crayons de couleur et pastels représentant une vue de Nantes. Edmond Heuzé, pseudonyme d'Amédée Letrouvé (1884-1967), est un dessinateur, peintre, graveur et écrivain français. Pendant une trentaine d'années, Edmond Heuzé vivra de dix-sept petits métiers divers : Nénesse le fait entrer sous le pseudo de « Williams » comme danseur dans la troupe du Moulin Rouge avec La Goulue, ce qui lui permet de faire le tour du monde. Il devient également marchand, intermédiaire, camelot, régisseur de cirque ambulant, danseur de claquettes chez Maxim's, etc. C'est dans cette dernière profession qu'il aura l'occasion de peindre le monde du cirque à ses moments de loisirs. Il épouse Nina Bacquet, la directrice du cirque Médrano. Réformé en 1904, il s'engage comme volontaire en 1914. Avant la déclaration de la Première Guerre mondiale, il était conservateur de la collection d'émaux du grand-duc Nicolas Mikhaïlovitch de Russie. Il est incorporé au bout de six tentatives infructueuses comme gardien au magasin d'habillement du 22e régiment d'infanterie, comme André Utter, et s'en inspira pour une série de peintures intitulée Les Masques. En 1918, après divers métiers, il devient directeur de la Galerie Sagot, rue Laffitte, où il vend des toiles de ses amis Maurice Utrillo, Suzanne Valadon, Rouault, ainsi que les siennes. Les douze tableaux de la série Les Masques sont vendus durant les deux premiers jours. À cette époque Edmond Heuzé fut le témoin de mariage d'André Utter et Suzanne Valladon. Il conserva des liens étroits avec Maurice Utrillo, Jules Depaquit et Tiret-Bognet. Grâce à la générosité de Georges Chéron, marchand de tableaux, il peut recommencer à peindre. À partir de 1920, il expose à la galerie Bernheim-Jeune ainsi qu'à la galerie Chiron en 1923, et peut désormais vivre de son art qu'il consacre alors aux portraits, notamment dans le milieu du cirque. En 1938, il obtient le prix Paul-Guillaume pour le portrait du mime Farina. [ENGLISH DESCRIPTION ON DEMAND]
Un'allegra brigata di robusti bevitori in abiti cinquecenteschi intorno a un tavolo di osteria brinda con vino e birra, senza formalità e secondo il gusto personale di ciascuno: a terra, un barile di birra, bottiglie sparse di vino e liquori, testimoniano la disponibilità di ogni tipo di bevanda, purchè di un buon tasso alcolico. Il gusto della raffigurazione è quello tipico della imagérie alsacienne di quegli anni.
français Sans date (circa 1880). Chromolithographie 20x26 cm, 25x34 cm. Petits trous de punaise dans les coins, une cerne en marge inférieure.
New New English Original bdg. Dust wrapper. In special slip-case. 4to. (31 x 24 cm). In Turkish. 173, [2] p., color ills. Müsellesten ücgene: Ihap Hulusi [Görey]. Text: Turgut Yasalar. Edited by Ender Merter. Ihap Hulusi Görey was the first Turkish graphic artist best known for his illustrations on posters and labels of several Turkish brands in the Republican era. Ihap Hulusi's father was a well-known architect in Cairo and he wanted his son become a successful diplomat. For this Ihap Hulusi was sent to English schools in Cairo. However, his primary interest was in painting. In the meantime, he took lessons in painting by mail from Germany. In 1920, after graduating from the high school, Ihap Hulusi went to Munich, Germany, and studied painting for five years specializing in illustrations. Following his return, Ihap Hulusi's father enrolled him to the Ministry of Foreign Affairs in Istanbul against his will. So Ihap Hulusi dropped off after a while and devoted himself to commercial graphic art. Ihap Hulusi's first work was the illustration for a toothpaste advertisement poster. In 1929 he established his first workshop in Istanbul and designed 1930 the famous bottle label for the Turkish liquor Raki brand "Kulüp Rakisi". This artwork on the bottle label is still in use today. With the Latin alphabet reform in 1928, Atatürk commissioned him in 1934 to make illustrations in order to promote the adoption of the new Turkish alphabet. The graphic artwork showed Atatürk teaching the new Turkish alphabet to a little girl, Atatürk's adoptive daughter Ülkü. His first private exhibition was held in 1935 in Istanbul. Several exhibitions followed at home and abroad. Ihap Hulusi Görey got famous and performed illustrations for state and private companies until 1977. He worked uninterruptedly 45 years for the tickets of the Turkish State lottery, which come out three times a month. He designed the bottle labels of various products of the Turkish State Monopoly 35 years long. He illustrated also posters for the famous brands like the British whisky John Haig, Italian Cinzano and Fernet Branca. Görey designed also logos for some companies, which helped them get easily recognized and well known. In his late life he was much involved in performing calligraphy. He was called the "man who illustrated the Republic" or the "king of the graphic art". Ihap Hulusi Görey died on March 27, 1986 in Istanbul. He was succeeded by his fourth wife... (Wikipedia). Printed to 1000 copies.
