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bross. edit. a due colori
in-8°, 155 pages, fig. et tabl., broche, couverture illustree plastifiee. Bel exemplaire. [CA33-1] L’école au passé - L’école au futur - Approche systémique de l’organisation scolaire.
Acquaforte stampata in marrone, da Parmigianino. La deposizione, particolare da uno schizzo del Parmigianino (Popham 1971, n. 373); il corpo di Cristo sostenuto da una figura che siede a sinistra e che lo guarda addolorata; in una cornice rettangolare a imitazione di una montatura per lavabo. Magnifica prova, impressa su carta vergata coeva, rifilata al rame, in perfetto stato di conservazione. L'opera è parte della raccolta di Charles Rogers, A Collection of Prints in Imitation of Drawings. To which are annexed lives of their authors, edita a Londra da John Boydell e altri nel 1778. Le tavole che sono contenute nell'opera riproducono, a grandezza naturale e con gli stessi colori, una serie di disegni antichi nella collezione del Rogers. Etching printed in brown, after Parmigianino. The Deposition, a detail after a sketch by Parmigianino (Popham 1971, no. 373); Christ's body supported by a figure who sits to left, looking down at Him sorrowfully; in rectangular frame in imitation of a wash mount. The work is part of Charles Rogers, A Collection of Prints in Imitation of Drawings. To which are annexed lives of their authors. printed by J. Nichols in London, and sold by John Boydell, Benjamin White, and Peter Molini, 1778. The plates, which use a wide variety of techniques, show some old master drawings in Rogers's own collection. His preface states: “That these prints may be faithful imitations, they are engraved the same way as, as well as the same size, as the Originals are drawn; and printed, as nearly as possible, in the same colours”. A fine impression, printed on contemporary laid paper, trimmed to the borderline, perfect condition.
gd in-8, 430 p., cartonnage éditeur avec jaquette Très bel exemplaire. [AZ-9]
Acquaforte e rotella, 1864, firmata in lastra in basso a sinistra. IN basso a destra troviamo l’imprint dell’editore Carlo Lovera di Torino. Dimensioni: 420x305 mm (foglio), 215 mm x 175 mm (ovale). Stampata su carta cina, appllicata su carta coeva. Opera tratta da Album speciale della Società Promotrice delle Belle Arti di Torino. È questa la più bella delle acqueforti di Ferdinando Di Breme, forse l'unica in cui l'artista raggiunga un effettivo equilibrio tra il segno preciso e minuto della tradizione del Lauro e quello sciolto e libero di Fontanesi. Ferdinando Di Breme Di Sartirana, nato da una delle maggiori famiglie dell'aristocrazia di Milano, si trasferì adolescente a Torino, visse a Parigi tra il '37 e il '48 dove venne nominato presidente della Società Entomologica di Francia. Nel '49 venne nominato Senatore del Regno, nel '50 Presidente della Società Promotrice di Belle Arti di Torino e nel '55 Direttore dell'Accademia Albertina. L'intervento del Di Breme a favore della diffusione della grafica originale non si limitò ai provvedimenti istituzionali, ma si concretò pure in una cospicua attività acquafortista, dovuta alla frequentazione del Fontanesi a Ginevra. Nel 1864 esce a Torino l'Album speciale della Promotrice, con il frontespizio e una tavola del Di Breme. Il presidente della Società degli acquafortisti di Parigi le lodava per "la fermeté du dessein et l'énergie de la pointe". Infatti, il Breme., che ebbe anche il merito d'instaurare all'Albertina una scuola d'incisione, occupa un posto non trascurabile tra i grafici italiani del secolo scorso. In perfetto stato di conservazione. Bibliografia Guido Giubbini, L'acquaforte originale in piemonte e in liguria 1860-1875, 1976, p. 193, n. 8, fig. 110. Etching and wheel, 1864, signed in plate at lower left. At lower right is the imprint of the publisher Carlo Lovera of Turin. Size: 420x305 mm (sheet), 215 mm x 175 mm (oval). Printed on Chinese paper, applied on contemporary paper. This work is taken from the Album Speciale della Società Promotrice delle Belle Arti di Torino. This is the most beautiful of Ferdinando Di Breme's etchings, perhaps the only one in which the artist achieves an effective balance between the precise and minute style of the Lauro tradition and the loose and free style of Fontanesi. Very good condition. Literature Guido Giubbini, L'acquaforte originale in piemonte e in liguria 1860-1875, 1976, p. 193, n. 8, fig. 110.
Acquaforte e punta secca, 1924. Misure della lastra 85x130 mm. Prova d’autore, firmata a matita in basso “L. Bartolini”. Esemplare rifilato al rame ed applicato su cartoncino coevo. Perfetto stato di conservazione. All’incisione, databile al 1924-25 come altre opere analoghe dell’artista, Bartolini assegnerà poi il titolo definitivo di Tre donne alla fontana. Un’esemplare dell’opera definitiva è passato in asta a Berna nel novembre del 2007: https://www.mutualart.com/Artwork/Tre-donne-alla-fontana/591860B3A0845475 Luigi Bartolini è considerato uno dei maggiori incisori italiani del Novecento, insieme a Giorgio Morandi e Giuseppe Viviani. Oltre ad essere un prolifico incisore (al suo attivo oltre mille acqueforti), fu anche pittore e scrittore. Partecipò sia come pittore che come incisore a diverse edizioni della Biennale di Venezia dal 1928 al 1962. Presente a varie manifestazioni artistiche, sviluppò diverse maniere definite: ‘maniera bionda’, ‘lineare’ e ‘nera’. Ricordiamo soprattutto le acqueforti della serie Marche e della serie Sicilia. Iniziò la sua produzione grafica nel 1914 e il suo stile si rifà alla tradizione naturalistica dell’Ottocento. Molte sue incisioni si possono ricollegare ad alcune opere del Goya, di Telemaco Signorini e di Giovanni Fattori. Eccellente nella rappresentazione della natura morta e del paesaggio, spesso il Bartolini rappresentò dolcemente le cose e gli oggetti più umili, i soggetti di natura più dimessi. In essi ritroviamo il sentimento che diviene immagine e la forma che si sviluppa in espressione. Con Bartolini l’incisione torna ad essere un mezzo di espressione poetica libera dal simbolismo e dal vedutismo allora in voga presso le accademie. Nelle sue acqueforti prevale ora un tratteggio leggero (genere biondo), ora una ricerca del chiaroscuro alla Rembrandt (genere nero). Rara. Etching and drypoint, 1924. Plate size 85x130 mm. Artist's proof, signed in pencil at the bottom "L. Bartolini". Example trimmed to copper and applied on contempoary paperboard. Excellent state of preservation. Rare. Born in Cupramontana near Ancona, Luigi Bartolini was the twentieth century Italian etcher, who came closest to the stature of his great rival, Morandi. As a teenager, he saw the collection of etchings, including work by Callot, owned by the Corradi family in Iesi. From 1907 to 1910 Bartolini studied at the Istituto di Belle Arti in Siena, and started to etch c. 1909. He moved to Rome in 1910, where until 1912 he frequented the Accademia di Belle Arti, while also attending lectures on literature and the history of art, and courses on anatomy at the University in Rome. Bartolini studied the etchings of Goya and took lessons on drawing at the Accademia di Spagna. From there, he went to Florence in 1913, where he attended the Scuola del nudo. Bartolini continued his anatomical research, as well as studying architecture, making himself the most assiduous student of all Italian twentieth century printmakers. He also visited the Uffizi and Florentine print dealers to look at the etchings of Rembrandt and Fattori. Bartolini painted his first oils just before the outbreak of the First World War. Although he painted pictures throughout the rest of his career, and was awarded the Premio Marzotto for them in 1956, they have been far eclipsed in fame by his etchings and writings. During the First World War, Bartolini published his first collection of poetry. A very prolific and accomplished writer, in this field he is best known today as the author of the novel, 'Ladri di biciclette' (Bicycle thieves), of 1946, which was quickly turned into a celebrated film by Vittorio de Sica and Cesar Zavattini. After the First World War, Bartolini held a series of minor teaching posts in Macerata, Sassari, Avezzano, Pola, and Caltagirone, while he continued to etch, and started a long career as a polemical journalist and critic of art and architecture. From 1923 to 1929, he wrote for the Naples periodical, 'Cimento', but he also contributed to 'Il Selvaggio', 'Quadrivio', 'Italia letteraria', and 'L'Ambrosiana'. Bartolini's 1924 exhibition of etchings at the Casa d'Arte Bragaglia in Rome was a great success, and later that year he showed 70 etched landscapes of the Marches at the Casa Palazzo di Roma. The following year he visited Paris, where he paid particular attention to the paintings of Van Gogh. Bartolini's political convictions led him to being assaulted by Fascists and hospitalised in 1928. Two years later, he won a prize at the Venice Biennale, where he had exhibited a portfolio of etchings. In 1930, the Turin publisher, Buratti, began to issue a series of portfolios of etchings by contemporary Italian artists under the editorship of Cipriano Oppi, selecting Bartolini for the first album. The following year, Buratti published 'Le carte parlanti', a portfolio of 10 of Bartolini's etchings, which was published in an edition of 20. In 1932, Bartolini shared the first prize at the Prima mostra dell'incisione moderna at the Uffizi with Morandi and Boccioni. His close friend, the leading anti-Fascist art historian, Lionello Venturi, acted as his agent selling his etchings in Paris. Bartolini's correspondence with his compatriots in exile led to his imprisonment, from which he was released on Mussolini's personal intervention. He was then placed under political surveillance. From 1933 to 1938, Bartolini taught in Merano, where he painted and etched in the open air, finding subjects on the banks of the fast flowing Adige. Despite being under political suspicion, he was given a one - man show of 50 etchings at the second Rome Quadriennale in 1935, when he was awarded the first prize for printmaking. Bartolini still encountered political difficulties, and his 'Modi', published by Edizioni del Cavallino in 1938, was censured by Al...
in-8°, 243 pp., broche, couverture imprimee. Cachets de bibliothèque sinon bel exemplaire. [BE-1]
grand in-8° broché. Nombreuses illustrations. Bel exemplaire. [BL-9]
PARIS, : Librairie classique E. Belin, 1959 - In-4 - Cartonnage de l'éditeur illustrée en couleurs - Illustrations & cartes en couleurs en texte - 128 pages - bon exemplaire
Harmattan, 1994. In-8 broché, 206 pages. Très bon état.
PARIS, F. Nathan - 1934 - In-12 - Cartonnage illustré frotté - Illustrations NB dans le texte - 142 pages
PARIS, V. Palmé - tiré à part de la Revue des questions historiques - 1876 - In-8 - Tirage à 50 exemplaires - 53 pages - couverture muette - Exemplaire non coupé, très propre - Envoi rapide et soigné
PARIS, Lib. de la sté Bibliographique M. Tardieu - 1882 - In-12 - Broché - 46 pages - Propre
Flammarion 1996, In-8 broché, 160 pages. Trés bon état.
RENNESD, imp, Alp. Le roy - 1890 - In-12 - Broché - 32 pages - Propre
Acquatinta e acquaforte, stampata in seppia, 1789. Dalla serie: A collection of prints, after the sketches and drawings of the late celebrated Giovanni Battista Cipriani pubblicata a Londra da John & Josiah Boydell nel 1789. La serie consiste di cinquanta stampe da disegni di Cipriani 'incisi da Mr. Richard Earlom' inclusee sette incise da Maria Catharina Prestel, Bartolozzi, Kirk e Legat. Richard Earlom (1743-1822) fu uno dei più grandi incisori a mezzatinta e a puntini del suo tempo. Fu apprendista dell'incisore londinese G.B. Cipriani e studiò alla St Martin's Lane Academy. Vinse molti premi per i suoi disegni e incisioni. Nel 1774, iniziò a lavorare per John Boydell per il quale creò trecento tavole dopo Claude, pubblicate come il Liber Veritas (1777-1819). Creò anche per Boydell cinquantuno tavole di Cipriani. Earlom incise opere eccezionali sia dopo i disegni dei suoi contemporanei che dopo i vecchi maestri. Boydell commissionò il suo talento per alcune delle più famose tavole della Houghton Gallery e della Shakespeare Gallery. Giovanni Battista Cipriani, (1727-1785) fu un pittore decorativo e designer fiorentino, attivo principalmente in Inghilterra. Nel 1755 fu portato a Londra dall'architetto Sir William Chambers e dallo scultore Joseph Wilton, che lo avevano conosciuto a Roma. Fu impiegato nella decorazione di molti edifici pubblici e case private e in alcuni casi progettò dettagli architettonici come intonaco, legno e scultura in pietra. Buoni esempi dei suoi dipinti sono alla Somerset House (dove lavorò per Chambers) e nel Philadelphia Museum of Art (una serie originariamente eseguita per Lansdowne House, Londra). Fu anche attivo come insegnante alla Royal Academy (fu membro fondatore nel 1768 e disegnò il suo diploma), e i suoi numerosi disegni decorativi (molti incisi da Bartolozzi, suo amico dai tempi degli studenti) ebbero una grande influenza. Il lavoro di Cipriani è compiuto piuttosto che ispirato, ma fu, nelle parole di Sir Ellis Waterhouse, 'una delle grandi figure di retrovia dello stile neoclassico in Inghilterra'. Aquatint and etching, printed in sepia ink, 1789. From the series: A collection of prints, after the sketches and drawings of the late celebrated Giovanni Battista Cipriani published in London by John & Josiah Boydell in 1789. The series consists of fifty-plate series of facsimile prints of Cipriani's drawings 'engraved by Mr. Richard Earlom' includes seven engraved by Maria Catharina Prestel, Bartolozzi, Kirk and Legat.. A letterpress contents page of the same sheet size, kept under Earlom's name with the majority of the series, gives titles and the series publication date of September 1st, 1789. Richard Earlom (1743-1822) was one of the greatest mezzotint and stipple engravers of his day. He was apprenticed to the London based engraver, G.B. Cipriani and studied at the St Martin's Lane Academy. He won many prizes for his drawings and engravings. In 1774, he began work for John Boydell for whom he created three hundred plates after Claude, published as the Liber Veritas (1777-1819). He also created for Boydell fifty-one plates after Cipriani. Earlom engraved outstanding works both after the designs of his contemporaries and after the old masters. Boydell commissioned his talents for some of the most famous plates in The Houghton Gallery and The Shakespeare Gallery. Giovanni Battista Cipriani, (1727-1785) was a Florentine decorative painter and designer, active mainly in England. In 1755 he was brought to London by the architect Sir William Chambers and the sculptor Joseph Wilton, who had met him in Rome. He was employed in the decoration of many public buildings and private houses and in some cases designed such architectural details as plasterwork, woodwork, and stonecarving. Good examples of his paintings are at Somerset House (where he worked for Chambers) and in the Philadelphia Museum of Art (a series originally executed for Lansdowne House, London). He was also active as a teacher at the Royal Academy (he was a foundation member in 1768 and designed its diploma), and his numerous decorative designs (many engraved by Bartolozzi, his friend since student days) had wide influence. Cipriani's work is accomplished rather than inspired, but he was, in the words of Sir Ellis Waterhouse, 'one of the great backroom figures of the Neoclassic style in England'.
PARIS, Masson et Cie Ed. - 1929 - In-4 - Broché - Couverture illustrée - Illustrations noir et blanc dans le texte - Publicités - paginé de la page 529 à 576 - Propre
Bulino, 1610/20 circa, in basso al centro l'excudit di Claes Janz. Visscher (CJV intrecciate). Sotto l'immagine una spiegazione in francese e in olandese e un riferimento al testo biblico di Matteo (15:14). Numerato 3, in basso a destra. Da un soggetto di Pieter Brueghel il Vecchio. L'opera traduce in immagini la parabola evangelica del cieco che guida un altro cieco, riportata da Matteo 15:14, in cui Cristo si rivolge ai Farisei: «Sono ciechi e guide di ciechi. E quando un cieco guida un altro cieco, tutti e due cadranno in un fosso!». Il cui significato è: quando l'incompetente consiglia altri incompetenti, le cose vanno male. L'acquaforte pubblicata da Claes Jansz. II Visscher è apparentemente ispirata a De parabel der blinden [La parabola del cieco], dipinta da Pieter Bruegel il Vecchio nel 1568. Questa ipotesi è stata avanzata dal Rijksmuseum, che conserva due impressioni di questa incisione. È incisa al contrario rispetto al quadro, e utilizza la stessa composizione: uomini ciechi, vestiti come vagabondi, seguono una linea diagonale attraverso il quadro, che porta a un fiume in cui cadranno presto; hanno mancato per poco un piccolo ponte di assi a monte, vicino a un albero. Come nel quadro, c'è un villaggio sullo sfondo. Tuttavia, ci sono solo tre ciechi invece dei sei del quadro di Bruegel, e quello di fronte, con la stessa ghironda del quadro sulla spalla, non è ancora caduto in acqua. Non descritto da Leeber, Bastealer e Hollstein. Il Rijksmuseum, che suggerisce una data del 1643 nella descrizione di una delle loro due impressioni, certifica che quest'opera è inserira dalla serie Theatrum Biblicum Hoc Est Historiae Sacrae Veteris et Novi Testamenti Tabulis Aeneis Expressae. Crediamo che una datazione più pertinente per l'opera sia tra il 1610 e il 1620 e che solo successivamente venga a far parte della Bibbia pubblicata da Claesz J. Visscher. L'incisore rimane anonimo, ma è possibile che si tratti dello stesso autore. Figlio di Jan Claesz Visscher, un incisore e editore di Amsterdam, padre di Nicolaes e nonno di Nicolaes II, fu attivo nella sua città natale dal 1601 fino al 1652. Nel 1605 lavorò come incisore per l'editore di Amsterdam Willem Jansz. Blaeu, realizzando tra l'altro alcune vedute dei più importanti monumenti di Amsterdam, e per Theodoor Galle. Molto presto però, Visscher iniziò a pubblicare stampe di propria fattura, caratterizzate dal logo del “pescatore”, riferimento al suo nome latino di Piscator. Immagazzinò, inoltre, stampe, acquisendo su larga scala lastre di rame da altri editori e stampatori, non solo prodotte da artisti viventi, ma anche vecchie tavole da Maarten van Heemskerck e altri noti pittori, prodotte da Hieronymus Cock e dai suoi successori. Contribuì, in questo modo, a costituire una delle più importanti case editrici dell'epoca. Rappresentò soggetti religiosi, paesaggi, in particolare invernali, e architetture, e realizzò stampe di devozione. Nonostante la più importante pubblicazione dell'epoca, la “Bibbia”, nella versione autorizzata nei Paesi Bassi, fosse senza illustrazioni, Visscher, come pure altri editori dell'epoca, realizzarono stampe, che, inizialmente separate dal testo religioso, vi furono in seguito incorporate. Bellissima impressione, su carta vergata coeva, con ampi margini, in perfetto stato di conservazione. Engraving, signed at the lower center with the excudit of Claes Janz. Visscher (CJV entwined). Beneath the image an explanation in French and in Dutch and a reference to the Bible text in Matthew 15:14. Numbered 3. After Pieter Brueghel the Elder. The blind leader is about to step into a ditch, taking his equally blind followers with him. The guide has a hurdy-gurdy under his cloak. A village can be seen in the background. The scene is a depiction of the proverb and parable: “if the blind lead the blind, both shall fall into a ditch”. The meaning of which is: when the incompetent advises other incompetents, things go wrong. The etching published by Claes Jansz. II Visscher is seemingly inspired by De parabel der blinden [The parable of the blind], painted by Pieter Bruegel the Elder in 1568. This hypothesis has been put forward by the Rijksmuseum, which keeps two impressions of this etching. It is etched in reverse compared to the painting, and uses the same composition: blind men, dressed like vagrants, follow a diagonal line across the picture, leading to a river in which they will soon fall; they narrowly missed a small plank bridge upstream, next to a tree. As in the painting, there is a village in the background. However, there are only three blind men instead of six in Bruegel's picture, and the one at the front, wearing the same hurdy gurdy as in the painting over his shoulder, hasn't fallen into the water yet. Not described by Leeber, Bastealer and Hollstein. The Rijksmuseum suggests a date of 1643 in the notice to one of their two impressions, this work is taken from the series Theatrum Biblicum Hoc Est Historiae Sacrae Veteris et Novi Testamenti Tabulis Aeneis Expressae. We believe that a more pertinent date for the work is between 1610 and 1620 and that it only later became part of the Bible published by Claes Jansz. Visscher. The engraver remains anonymous, but it is possible that it is the same author. Visscher, who was born and died in Amsterdam, was also known as Nicolas Joannes Piscator or Nicolas Joannis Visscher II, after his father who lived ca. 1550–1612. He learned the art of etching and printing from his father, and helped grow the family printing and mapmaking business to one of the largest in his time. It was a family business; his son Nicolaes Visscher I (1618–1679), and his grandson Nicolaes Visscher II (1649–1702) were also mapmakers in Amsterdam on the Kalverstraat. The times were with the Visschers for other reasons; due to the Protestant reformation, the older Bibles with their "Roman Catholic" illustrations were seen as outdated and apocryphal, but to liven up the new Protestant Bibles for the less well-read clergy, the Visschers produced illustrated maps and even landscapes of the places in the Bible. This became a very successful family business, with collaboration with many respected draughtsmen of the day. A new translation of the Bible was underway in the Netherlands, and until then, the new German translation done by Johannes Piscator, published in 1602–1604, was translated into Dutch. Though probably not a relative, his Bible translation was accepted by the Dutch Staten-General in 1602, which only lent more publicity and authenticity to the "Fisher" name. The trademark of the Visschers was a “fisherman”, after their name (thus the Latin nickname Piscator). A small fisherman would be strategically placed somewhere near water. If the subject was a landscape without a stream or pond, then often a figure walking with a fishing rod can be seen. Their map plates were reused for a century by other printers who unknowingly copied the entire plates, including the tell-tale fishermen. Observant scholars are thus able to trace the provenance of Bibles, maps, and landscapes from these signs. A fine impression, printed on contemporary laid paper, with margins, perfect condition.
bross. edit. ill. - prima edizione
Xilografia, 1510 circa, firmata con il monogramma in basso al centro, nell’immagine. Della serie “La Piccola Passione”. Esemplare dalla prima edizione latina, edita nel 1511. Magnifica prova, ricca di toni e ben contrastata, rifilata alla linea del margine, testo latino al verso, in ottimo stato di conservazione. Nota Strauss che l'apostolo in primo piano ricorda "l’Altare Heller", mentre la Vergine ha una stretta somiglianza con quella di Schäufelein nel foglio corrispondente Conformemente alla Scrittura, i seguaci di Cristo sono sormontati da "lingue di fuoco" (Atti 2:1-3) che simboleggiano "l'effusione dello Spirito Santo". Contrariamente a Schäufelein, l'evento si svolge all'aria aperta, e ci sono molti partecipanti in quanto non c'è evidenza che alla scena assistitano solo i discepoli. Uno studio dettagliato, condotto dalla Hass, rivela l’interpretazione personale dell'artista. L'aspetto più sorprendente della versione di Dürer della Penecoste è che l'effusione dello Spirito Santo non è limitata a Maria e ai discepoli: quindici fiamme escono dalle corone di Maria e dei vecchi e nuovi seguaci di Cristo, mentre sullo sfondo tre dei devoti ebrei menzionati negli Atti sono ancora seduti e, guardando, discuno gli eventi davanti a loro. Mentre l'ampliamento del numero – da dodici a quindici - esseri illuminati dallo Spirito può essere giustificata in termini di descrizione fornita negli Atti, rimane una licenza in termini pittorici. I precursori locali, tra cui il maestro di Dürer, Wolgemut, mostrano principalmente dodici figure benedette tra cui la Vergine. Inoltre, nel suo testo di accompagnamento per questa immagine Chelidonius commenta la discesa dello Spirito Santo solo in relazione ai discepoli; anche questo è in contrasto con l'evidenza visiva nell'immagine di Dürer. Intorno al 1509, mentre stava ancora completando la Grande Passione, Dürer iniziò la sua serie più estesa delle passioni di Cristo, La Piccola Passione, che comprende trentasette xilografie. La serie fu pubblicata come libro; ogni tavola è accompagnata da un testo narrativo-descrittivo composto dall'amico di Dürer, il chierico umanista Benedictus Chelidonius, che aveva precedentemente collaborato con l'artista per i testi delle serie di xilografie della Vita della Vergine e della Grande Passione. Fu Friedrich Winkler che nel 1941 suggerì che a fornire il modello per la Piccola Passione fosse stato Hans Schäufelein, uno degli allievi di Dürer, ma questa proposta non è accettata all'unanimità dagli studiosi. Angela Hass nota che, dato ciò che sappiamo del carattere di Dürer e delle relative doti dei due artisti, il rapporto maestro/allievo da solo è in contraddizione. Così come il fatto che c'è un’alterazione sia nella scelta che nell'interpretazione dei soggetti. Dürer include nove temi che non appaiono nella serie di Schäufelein, il frontespizio e le quattro scene introduttive che precedono l'Entrata di Cristo a Gerusalemme, altre quattro scene leggendarie sono state aggiunte, includono i Santi Veronica, Pietro e Paolo; due scene che figurano nell'arco della serie di Schaufelein sono omesse da Dürer, la Spogliazione di Cristo e, più importante, l'Incoronazione della Vergine. Un'altra ragione per mettere in dubbio l'opinione di Winkler deriva dal fatto che una parte sostanziale dell'iconografia che Dürer impiega nella serie della Piccola Passione può essere ricondotta a opere d'arte contemporanee e precedenti che erano facilmente accessibili per entrambi gli artisti. Bibliografia Hollstein, 160; Bartsch, 51; Panofsky, 271; Strauss, 135; TIB 1001.251; A. Hass, Two Devotional Manuals by Albrecht Dürer: The "Small Passion" and the "Engraved Passion." Iconography, Context and Spirituality, in Zeitschrift für Kunstgeschichte 63. Bd., H. 2 (2000), pp. 169-230 (62 pages) Woodcut, 1510 circa, signed lower centre in the image with monogram. From the series The Small Passion. Example from the first latin book edition of 1511. Magnificent proof, printed with tone on contemporary laid paper, irreguralely trimmed to the borderline, very good condition. The apostle in the foreground is reminiscent of the “Heller Altarpiece”, whereas the Virgin bears a close resemblance to Schäufelein’s in the correspondong sheet. Conforming to Scripture, Christ’s followers are surmounted by “cloven tongues as of fire” (Acts 2:1-3) that symbolize the “outpourung of the Holy Spirit”. Contrary to Schäufelein, the event takes place in the open air, and there are many participans as there is no record that the scene was witnessed only by the disciples. However, a detailed study reveals the artist’s personal understanding. The most striking aspect of Dürer’s version of the Penecost is similarly that th inspiration of the Holy Ghost is not confined to Mary and disciples: fifteen flames issue forth from the crowns of Mary and Christ’s old and new followers, while in background three of the devout Jews mentioned in Acts are still seated, looking on and discussing the events before them. While Dürer's expansion of the common number of twelve to fifteen enlightened beings can be justified in terms of the description provided in Acts, it remains a license in pictorial terms. Local forerunners, including Dürer's teacher Wolgemut, principally show twelve blessed figures including the Virgin. Further, in his accompanying text for this image Chelidonius comments on the descent of the Holy Ghost in relation to the disciples only; this too is at odds with the visual evidence in Dürer’s image. The original wood block is in the British Museum. Around 1509, while still completing the Large Passion, Dürer commenced his most extensive series of the Passion of Christ, The Small Passion, which comprises thirty-seven woodcuts. The series was published as a book; each platesi s accompanied by a descritive narrative text composed by Dürer’s friend, the humanist cleric Benedictus Chelidonius, who had previously collaborated with the artist on the texts for the woodcut series of the Life of Virgin and the Large Passion. It was Friedrich Winkler who in 1941 suggested that Hans Schäufelein, one of Dürer’s students, provide the model for the Small Passion, but this proposal is not unanimously accepted by scholars. Angela Hass notes that given what we know of Dürer character and of the relative gifts of the two artists, the Master/pupil relationship alone speaks against it. So, too, does the fact that there is an altered emphasis in both the choice and interpretation of subject matter. Dürer includes nine themes that don't appear in Schäufelein's series , the title page and the four introductory scenes that precede Christ's Entry to Jerusalem, further four legendary scenes were added , they include Sts Veronica, Peter and Paul ; two scenes that feature in Schaufelein's series arc omitted by Dürer , the Disrobing of Christ and , more importantly , the Coronation of the Virgin . Another reason for questioning Winkler’s view arises from the fact that a substantial parte of the iconography which Dürer employs in the Small Passion series can be traced back to contemporary and prior works of art which were readily available to both artists. Bibliografia Hollstein, 160; Bartsch, 51; Panofsky, 271; Strauss, 135; TIB 1001.251; A. Hass, Two Devotional Manuals by Albrecht Dürer: The "Small Passion" and the "Engraved Passion." Iconography, Context and Spirituality, in Zeitschrift für Kunstgeschichte 63. Bd., H. 2 (2000), pp. 169-230 (62 pages)
Copia di un niello della collezione Durazzo, di cui una impressione originale è nella collezione del Cabinet Rothschild al Louvre. La composizione corrisponde, al contrario, ad un dipinto di Filippino Lippi del 1490-95 circa, probabilmente il pannello centrale di una predella, nella collezione Kress al National of Art, Washington, così come al cartone di Filippino per lo stesso, punzonato per il trasferimento, nel Allen Memoril Art Museum, Oberlin. Anche se Blum ha attribuito questa stampa al nord Italia, deve essere fiorentina e databile alla fine del XV secolo. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, on the same verso, of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2903), now in Paris, Louvre, Cabinet Rothschild collection. The composition corresponds, in reverse, to a painting by Filippino Lippi of ca. 1490-95, probably the middle panel of a predella, in the Kress Collection at the National of Art, Washington, as well as to Filippino’s cartoon for the same, pricked for transfer, in the Allen Memoril Art Museum, Oberlin. Although Blum has attributed this print to northern Italy, it must be Florentine and datable to the end of the fifteenth century. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.005; Duchesne, pp. 172-173; Zanetti, p. 104.
Acquaforte, fine del XVIII secolo, nel margine inferiore, un’iscrizione su due righe, non chiaramente leggibile: “Joanni Baptistae Locatelli sculpori Egreggio Quas es Augustino Caraccia .... Primitias suas Verae Amicitiae in ...gum D D Lomazzi ?” Bell’esemplare, impresso su carta azzurra, rifilato alla linea marginale, in ottimo stato di conservazione. Copia, in controparte, di un’incisione di Agostino Carracci (1598) a sua volta basata sull'acquaforte di Annibale Carracci del 1597. Sconosciuta a De Grazia, non abbiamo trovato alcun riscontro bibliografico. Etching, 1790’ circa, in lower margin an inscription on two lines, not clearly readable: “Joanni Baptistae Locatelli sculpori Egreggio Quas es Augustino Caraccia .... Primitias suas Verae Amicitiae in ...gum D D Lomazzi ???” Beautiful example, printed on blue paper, trimmed at the marginal line, in excellent condition. Copy, in reverse, of an Agostino Carracci’ engraving (1598) based on the original etching by Annibale Carracci.. Unknown to De Grazia, we have not found any bibliographical reference. Non descritta.
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